Holland Festival ima veliko nam neznanega in vrhunskega multimedijskega programa (8/II)

A ni osamljen, saj so tu še drugi festivali, kot v Radovljici, Celju, Piranu, Novem mestu…,v sami Ljubljani. Vprašanje je prevelike ali izrazite programske avantgarde, ki ima v Amsterdamu svoje občinstvo, Ljubljana pa manj. Salzburg ima ustaljene termine, predvsem pa za ansamble kratke počitnice, a so med festivalom poleg plače npr. Dunajskih filharmonikov, še ekstra honorarji. Proračun okrog 70 milijonov jim to omogoča. Prav tako okrog 260.000 obiskovalcev in inkaso od prodanih vstopnic nad 25 milijonov ter kakih 150 milijonov porabe sredstev gostujočega občinstva v vsej pokrajini Salzburg (v času festivala). V Amsterdamu je tega manj, a je mesto kulturno tako bogato, da zlahka ostaneš v njem teden ali deset dni, kot smo videli pri Mahlerjevem festivalu z abonmajem za vse simfonije in pesemske cikle. A so imeli kar pet svetovnih orkestrov. Cena abonmaja nad tisoč evrov pa vseeno ni malo.

V Ljubljani se situacija lahko še izboljša, a predvsem z večjo pozornostjo in podporo države, mednarodno publiciteto in privlačnim programom. Žal je v zadnjih letih najbolj propadlo več že načrtovanih gostovanj, tako moskovskega Bolšoj teatra kot Marijinega gledališča iz Sankt Peterburga – z operami in baleti ter seveda koncerti.

Na drugačen način kot drugi orkestri je na Holland Festivalu spodbujal bližino Paraorchestra. Ta orkester, katerega polovica članov ima telesne okvare, je prvič nastopil na Nizozemskem. Za koncert, na katerem se je občinstvo lahko sprehajalo, sedelo ali ležalo med glasbeniki, so iz dvorane Concertgebouw odstranili stole, kar je ustvarilo globoko osebno povezavo z glasbo in njenimi ustvarjalci. Tudi VR-opera From Dust Michela van der Aa je ponudila edinstveno, zasebno izkušnjo, saj so avatarji peli neposredno vsakemu posameznemu gledalcu.

Predstava je bila predstavljena kot opera v virtualni resničnosti, razporejena v natančne 20-minutne časovne okvire.

“Moj je bil od 15.10 do 15.30 in prihod Moj je bil od 15.10 do 15.30 in pravočasen  prihod se je zdel nenavadno stresen. Napovednik mi je dal predstavo o tem, kaj lahko pričakujem: virtualna resničnost, šest opernih pevcev, 3D-okolje in jaz kot edini član občinstva – ali morda udeleženec.

Po odgovoru je moje telo skenirala kamera. Nato sem sedel sam v čakalnici, kar je bilo v ostrem nasprotju z vrvežem pričakovanja tradicionalnih opernih predstav. Medtem ko sem čakal na klopi v čakalnici, ni bilo ničesar drugega kot plastificirani listi z libretom, ki so jih udeleženci prebrali pred vstopom v prostor za predstavo. Tiho sem čakal in bral pesmi. Besedilo je bralca večkrat nagovorilo z vrsticami, ki so se začele z »Ti si …« ali preprosto »Ti …«, kar je v kombinaciji s tihim toplim popoldnevom v Muziekgebouwu ustvarjalo intimen, skoraj hipnotičen ritem.

Ko sem končno vstopil v prostor za nastop, mi je član osebja razložil mehanizem VR-očal. Pomirili so me, da bo v primeru težav pomoč hitro prišla. Spodbujali so me k interakciji z virtualnim okoljem. Preden sem si nadel očala, sem se ustavil. Moje samotno potovanje – vprašalnik, skeniranje telesa, čakanje v samoti – je že začelo oblikovati operno izkušnjo. Očala so bila preprosto naslednji korak, ki je domišljijo spremenil v virtualno resničnost.

Znotraj VR prostora sem sledil oranžni črti proti svetlečemu krogu. Belo oblečena virtualna figura je začela peti prvo arijo v sopranu, očitno usmerjena proti meni. Pesem je bila izvedena kot kombinacija sopranskega in altovskega glasu, če se prav spomnim. V prvem prizoru se je pojavilo šest pevk; štiri so hitro izginile. Preostali dve pevki sta vstopili vsaka skozi ločena vrata – ena rdeča, ena modra – in mene sta prosili, naj izberem med njima. Takoj so mi prišli na misel odmevi Neove izbire rdeče-modre tabletke iz Matrice. Moja izbira me je pripeljala v prostor, ki je spominjal na prvo okolje, ki sem ga opisal prej.

V 3D-okolju sem videl nekaj, kar je bilo videti kot ploska slika mirne, sončne ulice z nekaj parkiranimi avtomobili. Očitno je bila to 2D-slika, vdelana v 3D-prostor – vidno drugačna od pevcev in preostalega prizora. Sumim, da je bila ta slika ustvarjena z umetno inteligenco. Čeprav je prikazovala sodobno evropsko ulico, se je za razliko od okolja, ki sem si ga predstavljal (ki je bilo iz drugega časa in kraja), čustveno vzdušje zdelo presenetljivo blizu. Kmalu se je slika začela razblinjati. Pojavil se je lebdeči okvir, ki je držal predmet, ki sem ga opisal v prvem vprašanju. Videti je bil oddaljen – kot da bi tudi on kmalu izginil.

Izkušnja je hitro začela spominjati na videoigro: sledenje likom, poslušanje elektronskih partitur, izvajanje preprostih interaktivnih nalog. V enem igrivem trenutku, ko sem sledil pevcu skozi oblake, sem se zmotil in izgubil smer. Svet virtualne resničnosti se je takoj obarval rdeče, član osebja pa me je fizično potrepljal po rami in prizor se je znova zagnal. Očitno je šlo manj za opero v živo in bolj za interaktivno virtualno simulacijo. Določeni prizori so bili živo vidni. V enem sem sedel na lebdeči ploščadi, ki se je dvigala v zrak, izkušnja, ki je resnično spominjala na let. V drugem je vzpon z dvigalom v visoko zgradbo ustvaril občutek obsega in pričakovanja. Ko sem vstopil v to stavbo, sem se znašel v limbu podobni sanjski pokrajini, ki se je postopoma temnila v razpoloženju in glasbi ter mejila na nočno moro. Eden od naslednjih prizorov je bil presenetljiv in je prikazoval poslovno konferenčno sobo – ki se je ujemala z drugim krajem, ki sem ga opisal prej. Imel je velik zaslon, ljudi v formalnih oblačilih in težko vzdušje. Nad mojo glavo je visela žareča krogla. Ko sem pogledal gor, sem jo zagledal: žarečo zvezdasto kroglo. Z naraščajočo elektronsko glasbo je celoten prizor začel goreti. Preplavil me je val katarze…” (Odlomek iz objave Javada  Mohajerija v The Theatre Times).

Michel van der Aa (Nizozemska, 1970) je resnično multidisciplinarna osebnost v sodobni glasbi. Z edinstvenim glasom združuje kompozicijo s filmsko in odrsko režijo ter pisanjem scenarijev. Klasični instrumenti, glasovi, elektronski zvok, igralci, gledališče in video so brezhibna razširitev njegovega glasbenega besedišča. Preden je študiral kompozicijo (pri Dideriku Wagenaarju, Giliusu van Bergeijku in Louisu Andriessenu), se je Van der Aa najprej izobraževal za tonskega inženirja na Kraljevem konservatoriju v Haagu. Leta 2002 je svoje znanje razširil s študijem filmske režije na filmski akademiji v New Yorku, leta 2007 pa se je udeležil intenzivnega tečaja odrske režije v gledališkem režiserskem laboratoriju v centru Lincoln. Van der Aajeve glasbene materiale je težko ločiti, saj nenehno preklapljajo med stazo in visoko energijo, konkretnim in abstraktnim, akustičnim in elektronskim, »čistim« in obdelanim, povsem novim in napol pozabljenim. Mnogi od njih so tako vizualni kot slušni. Možnosti digitalne in avdiovizualne tehnologije se pogosto pojavljajo ne kot površinski lesk njegovega dela, temveč v jedru njegovega umetniškega pogleda.

Van der Aa je prejel priznanje za svoja multimedijska dela za oder in koncertne dvorane (ne le opere One, After Life in The Book of Disquiet, temveč tudi Up-Close in Transit za klavir in video). Režiral je tako filmske kot uprizoritvene elemente vseh teh del. Njegove opere so bile uprizorjene v več kot dvanajstih državah, After Life in The Book of Disquiet pa redno uprizarjajo. Leta 1999 je bil Michel Van der Aa prvi nizozemski skladatelj, ki je prejel prestižno mednarodno nagrado Gaudeamus.

Medtem se je njegov ustvarjeni opus še povečal. Žal ga v Ljubljani na festivalu še nismo spoznali. Bi bil pa opisani projekt s festivala v Amsterdamu zanimiv npr. za Narodno ali Moderno galerijo. Operni projekt From Dust bodo ponovili marca prihodnje leto v Bruslju.

Poleg manjših in intimnih produkcij je festival v Amsterdamu ponudil tudi predstave, ki so popolnoma pritegnile oči in ušesa. ROHTKO Łukasza Twarkowskega je bil multimedijski gledališki izlet, ki je združeval umetnost, filozofijo, video projekcije in udarne ritme.

Eden največjih škandalov v svetu umetnosti se skriva v središču performansa ROHTKO Lukasa Twarkowskega. Leta 2004 je par kupil sliko Marka Rothka za 8,3 milijona dolarjev. Leta pozneje se izkaže, da to ni bila slika Rothka samega, temveč kitajskega učitelja matematike iz Queensa, ki je ponarejal tudi dela Jacksona Pollocka. Ali lahko ponarejena slika vzbudi resnična čustva? Kaj je prava umetnost in koliko je vredna?

V nekaj manj kot štirih urah vročih ritmov in dveh ogromnih video zaslonih se ustvarjalci ROHTKO podajo na iskanje odgovorov, pri čemer jim pomaga knjiga južnokorejskega filozofa Byung-Chul Hana z naslovom Shanzai: Dekonstrukcija v kitajščini o vrednosti resničnega in ponarejenega. »Shanzhai« se nanaša na edinstveno mešanico imitacije, inovacij in cenovno dostopnih, lokalno prilagojenih različic priljubljenih izdelkov v kitajski kulturi.

Byung-Chul Han (rojen leta 1959) je v Južni Koreji rojeni filozof, katoliški teolog in kulturni teoretik, ki živi v Nemčiji. Bil je profesor na berlinski Univerzi za umetnost in tam še vedno občasno predava. Njegovo delo se večinoma osredotoča na kritiko neoliberalizma in njegovega vpliva na družbo in posameznika. Čeprav piše v nemščini, so bile njegove knjige najbolje sprejete v hispanosferi.

Leta 1994 je doktoriral v Freiburgu z disertacijo o Stimmungu ali razpoloženju v delu Martina Heideggerja. Leta 2000 se je pridružil oddelku za filozofijo Univerze v Baslu, kjer je opravil habilitacijo. Leta 2010 je postal član fakultete na Univerzi za umetnost in oblikovanje v Karlsruheju, kjer so ga zanimala filozofija 18., 19. in 20. stoletja, etika, socialna filozofija, fenomenologija, kulturna teorija, estetika, religija, teorija medijev in medkulturna filozofija. Od leta 2012 do 2017 je poučeval filozofijo in kulturne študije na Univerzi v Berlinu (UdK), kjer je vodil novo ustanovljeni program splošnih študij Studium Generale.

Sledenje niti »dekreacije« v kitajski misli, od nenehno spreminjajočih se klasičnih mojstrovin do ponarejenih mobilnih telefonov, ki so boljši od originala. Shanzhai je kitajski neologizem, ki pomeni »ponaredek«, prvotno skovan za opis ponaredkov mobilnih telefonov, ki so se tržili pod imeni, kot sta Nokir in Samsing. Ti mobilni telefoni niso bili surovi ponaredki, temveč večnamenski, elegantni in enako dobri ali boljši od originalov. Shanzhai se je od takrat razširil v druge dele kitajskega življenja, s knjigami shanzhai, politiki shanzhai, zvezdami shanzhai. Obstaja shanzhai Harry Potter: Harry Potter in porcelanasta lutka, v kateri se Harry spopade s svojim sovražnikom Yandomortom. Na Zahodu bi to razumeli kot piratstvo ali celo oskrunitev, toda v kitajski kulturi se originali nenehno preoblikujejo – dekonstruirajo. V tej knjigi iz serije Nepravočasne meditacije Byung-Chul Han sledi niti dekonstrukcije oziroma »dekreacije« v kitajski misli, od starodavnih mojstrovin, ki vabijo k vpisovanju in prepisovanju, do maoizma – »neke vrste shanzhai marksizma«, piše Han.

Produkcijo za Holland Festival oživlja gledališče Dailes (Latvija) v sodelovanju s Twarkowskijevo ožjo ustvarjalno ekipo in igralci iz Latvije, Poljske in Kitajske. „Verjamem, da je gledališče umetnost, ki ima možnost najti način komunikacije povsem onkraj jezika.“ – Łukasz Twarkowski.

11. marca 2022 je bila premiera igre “ROHTKO”, koprodukcije gledališč Dailes teātris v Rigi in gledališča Kochanowski v Opoleju v Rigi, ki jo je Twarkowski, podobno kot “Farinelli”, režiral z Anko Herbut. Igra je nelinearna zgodba ne le o samem Rothku, temveč tudi o vprašanjih originala in kopije v umetnosti, umetnosti kot izkušnje itd. Ustvarjalce je navdihnila tudi knjiga Byung-Chul Hana “Shanzhai: Dekonstrukcija v kitajščini”. Igra je Twarkowskemu prinesla precejšen uspeh – režiser je prejel prestižno nagrado Ubu, splošno znano kot italijanski gledališki oskar in je najpomembnejša nagrada, ki jo podeljujejo v Italiji.

Lukasz Twarkowski je ustvarjalec multimedijskih predstav, ki združujejo gledališče in vizualne umetnosti. Svoje projekte postavlja v kontekst širjenja realnosti skozi multimedije. Ključni element ustvarjalnega dela Twarkowskega je raziskovanje zmožnosti in omejitev gledališča kot medija in orodja komunikacije. Z nenehno dekonstrukcijo pripovedi, preizpraševanjem ustaljenih navad občinstva in smiselno uporabo novih medijev Twarkowski ustvarja nov, izviren jezik odrske predstave, ki temelji na multimedijih in širše na digitalnih tehnologijah. Z njihovo uporabo Twarkowski analizira in opazuje vse bolj kompleksne odnose med realnim, simbolnim in namišljenim. Njegovi projekti so uprizorjeni na najpomembnejših festivalih in odrih Evrope, vključno s Holland Festivalom, Odéon—Théâtre de l’Europe, Ruhrtriennale, Festival de Otoño de Madrid, Wiener Festwochen, Piccolo Teatro di Milano in Southbank Centre v Londonu. Trenutno je pridruženi umetnik Onassisa Stegija v Atenah.

Legendarna newyorška umetniška galerija Knoedler se je leta 2011 zaprla po enem največjih škandalov v svetu umetnosti. V petnajstih letih je prodala več kot 30 slik, za katere se domneva, da so delo Marka Rothka, Jacksona Pollocka in Roberta Motherwella, a so se kasneje izkazale za ponaredke. Hanova knjiga podrobno opisuje filozofijo »shanzaija« – ohlapno prevedeno kot ponaredek – kjer se originalni izdelek ne dojema kot fiksen, temveč kot nekaj, kar se sčasoma spreminja. Medtem ko Zahod ta koncept pogosto preprosto zavrača kot piratstvo, v kitajskem kontekstu pomeni ustvarjalno in nenehno reinterpretacijo originalne ideje.

ROHTKO se dogaja v sivi coni med dejstvom in fikcijo, resničnim in ponarejenim ter globlje raziskuje shanzai. Delo presega filozofsko refleksijo; skozi vzporedne zgodbe, dinamične spremembe prizorišča in intenzivno glasbo Twarkowski ustvarja kinematografsko izkušnjo, ki popolnoma pritegne občinstvo. Delo se začne v šestdesetih letih prejšnjega stoletja, osvetljuje zadnja leta Rothkovega življenja in konča pri sodobnih oblikah digitalne in kripto umetnosti. Posnetki v živo se predvajajo na dveh velikih platnih, snemajo jih snemalci, ki se premikajo med igralci, videoposnetki pa služijo kot trompe-l’œil.

Scenografija – poustvaritev restavracije g. Chowa, doma newyorške umetniške elite osemdesetih let prejšnjega stoletja – služi kot katalizator. Kitajska restavracija ima tudi drugo vlogo: lastniki, tihe priče zgodbe, prihajajo iz kulturne tradicije, ki ima resnično drugačne predstave o originalih in kopijah. Namerno napačno črkovanje v naslovu, ROHTKO, je zavesten priklon cvetoči trgovini s ponaredki znanih blagovnih znamk, kot sta »Adibas« ali »Dolce Banana«. Ta praksa »shanzhai« se je razširila po vsej Kitajski in se je uporabljala za tisoče izdelkov.

Predstava Rohtko

Ali gre pri ROHTKU za mit o avtentičnosti? Ali si prizadeva najti pomen umetnosti? Ali pa raziskuje estetiko Rothkovih slik? Odgovor na vsa ta vprašanja je pritrdilen. Če se izkaže, da je izvor napačen, ali to razveljavi tudi občutke, ki jih delo vzbuja? Če se vrednost slike zmanjša, kaj to pove o sistemu, ki določa to vrednost? ROHTKO je bil prvič premierno, kot rečeno, uprizorjen leta 2022 v gledališču Dailes v Rigi v Latviji.

Prav tako vizualno spodbudno in obsežno – a na povsem drugačen način – je bilo delo Zvezdna vrnitev Lemija Ponifasia, ki je na abstrakten, poetični način predstavilo rituale in napeve kitajske manjšine Yi.

Bérénica Romea Castelluccija z Isabelle Huppert je v stiliziranem okolju s spektakularnimi kostumi modne oblikovalke Iris van Herpen upodobila tesnobo zavrnjene ženske.

To je radikalna in temačna priredba z Isabelle Huppert v nepozabnem monologu. Navdihnjena z ikonično ljubezensko tragedijo Bérénice Jeana Racina.

Na tej svetovni premieri finski koreograf Tero Saarinen (1964) izkazuje poklon nežni glasbi rojakinje Kaije Saariaho (1952–2023). Sopranistka Raquel Camarinha, šest plesalcev skupine Tero Saarinen in devet glasbenikov iz skupine Asko|Schönberg inovativno oživljajo živahen zvočni svet Saariaho.

Študija za življenje se vrti okoli želje po povezanosti v razdrobljenem svetu. Izhajajoč iz distopične in samotne pokrajine, multidisciplinarno delo postopoma potuje proti upanju in ponuja priložnost za uglasitev s tišjimi, neverbalnimi sporočili življenja. Delo, ki združuje elemente koncerta, zvočne instalacije in plesa, jih potopi in združi v eno sinestetično izkušnjo, kjer občinstvo sedi v 360-stopinjskem razporedu okoli odra. Plesalci in glasbeniki si delijo prostor, se gibljejo in drsijo skozi spreminjajočo se svetlobo, ki odraža tonske plasti glasbe.

Večer vključuje štiri Saariahine zgodnje skladbe (Study for Life (1980), Petals (1988), Lichtbogen (1986), Attente in Parfum de l’instant (2002, iz zbirke Quatre Instants). Study for Life je nastal v sodelovanju z amsterdamskim ansamblom Asko|Schönberg. Za zvočno oblikovanje je poskrbel Tuomas Norvio, scenografijo Fabiana Piccioli in Sander Loonen, kostumografinja pa je bila Erika Turunen.

Saariahina dela so bila že predstavljena na Holland Festivalu: leta 1996 z Lachenmannom, Rijnvosom, Saariaho in Webernom, leta 2005 z L’amour de Loin v Concertgebouwu in leta 2012 z Out of the Box v izvedbi Kraljevega orkestra Concertgebouw v Gashouderju. S Study for Life je Tero Saarinen debitiral na Holland Festivalu.

V okviru predstave je bila v preddverju za občinstvo predstavljena uvodna zvočna instalacija To Water avtorja Tuomasa Norvia. Instalacija prikazuje taleči se ledeni blok, manipulirani zvoki kapljanja in pokanja pa se širijo po prostoru in ponujajo vstopno točko v svet in teme dela.

Svetovni operni laboratorij ustvarja inovativne opere, ki premostijo kulturne razlike in na poetičen način reflektirajo sodobne teme. Operni repertoar je srce energičnih predstav, kjer se srečujejo miti, glasba in ples iz različnih kultur in umetniških disciplin. WOL nastopa na edinstvenih lokacijah: od stolpa Azadi v Teheranu do trga Mercatorplein v zahodnem delu Amsterdama, od indonezijskega deževnega gozda do rotterdamskega Afrikaanderwijka, od lagunskih skupnosti v Lagosu do Holland Festivala.

Številne zgodbe v opernem repertoarju imajo mitološki izvor, z arhetipi in temami, ki jih najdemo po vsem svetu. Potovanje v podzemlje, kot v Orfeju, lahko najdemo v mnogih kulturah. Na Bližnjem vzhodu je bilo to potovanje simbol žetve in obnove narave, tako kot Inanino potovanje v podzemlje. S povezovanjem teh starodavnih zgodb se pojavljajo nove perspektive.

Številne priljubljene klasične opere se dogajajo zunaj Evrope; na Bližnjem vzhodu in v Aziji. ‘Lovci biserov’ se dogaja na Šrilanki, ‘Čarobna piščal’ pa temelji na perzijski duhovnosti. Wagnerja je za svojo mojstrovino ‘Der Ring’ navdihnila indijska in perzijska filozofija. V produkcijah World Opera Laba so ti vplivi na operni kanon poudarjeni in kanon postavljen v globalno perspektivo.

Umetniški dialog je srce dela. Produkcije WOL izvajajo glasbeniki in pevci iz različnih umetniških tradicij. Poleg tega skladatelji ustvarjajo nove partiture in v svoja dela na zanimive načine vpletajo glasbene kulture. Prepletanje slogov ni omejeno le na besedilo in glasbo, temveč se udejanja tudi v odrski postavitvi, slogu gibanja in oblikovanju.

Pomemben razlikovalni element dela World Opera Laba je uporaba iste delovne metodologije v različnih projektih. To podpira ustvarjalen in enakopraven dialog med umetniškimi tradicijami. Z dosledno uporabo metodologije je mogoče primerjati spoznanja iz različnih produkcij med seboj. To omogoča vpogled v razvoj medkulturnih odnosov v daljšem časovnem obdobju, spoznanja pa je mogoče upoštevati pri prihodnjih produkcijah. Metodologija zagotavlja tudi osnovo za sodelovanje s skupnostmi in aktivisti. Kulturna zastopanost je bistvenega pomena pri delu World Opera Laba. Pevci in glasbeniki prispevajo gradivo za predstave.

Ohranjanje kulturne dediščine je bistvenega pomena za delo World Opera Laba. Produkcije lahko igrajo pomembno vlogo pri zaščiti tradicionalnih oblik glasbene drame. Z rekonstrukcijo opernega repertoarja z globalnega vidika se pojavljajo nove zgodbe in novi vpogledi.

Sodelovanje je v središču dela World Opera Laba. WOL sodeluje z jedrom umetnikov, glasbenikov, pevcev in plesalcev v različnih formacijah; z umetniško direktorico Mirando Lakerveld, iranskim umetnikom Siavashom Naghshbandijem, igralcem oud Haythamom Safio, klarinetistom in pripovedovalcem zgodb Vincentom Martigom, pevcem in igralcem saza Shwanom Sulaimanom, plesalko in pevko Vanesso Felter, tolkalistom Osamo Mileegijem, violinistko Emmy Storms, igralko sitarja in pevko Chetno Sahni Sehgal, violončelistko Taro Kumar, organistom Wimom Dijkstro, svečenico Winti Marian Markelo, baritonistom Sinanom Vuralom, sopranistko Madeline Saputra, mezzosopranistko Itzel Medecigo, svečenico Winti Marian Markelo in sopranistko Sabro al Bahri Khatri. WOL ustvarja mednarodne produkcije z novimi glasbenimi ansambli, kot sta ansambel Balaan Tumaan v Indoneziji in ansambel Sanjat v Iraku.

Tematska linija (njena) zgodba je bila letos prav tako rdeča nit, ki je poudarjala ženske glasove. Ena od izstopajočih produkcij je bilo prvo delo Caroline Bianchi na velikem odru. Trilogia Cadela Força Capitulo II: Bratstvo je naredila globok vtis tako na občinstvo kot na kritike, saj je neomajno preučevala tako sebe kot mehanizme, ki obkrožajo posilstvo in mizoginijo. Nekdanja sodelavka umetnice (2021) Gisèle Vienne se je prav tako osredotočila na patriarhalne strukture in spolno nasilje ter pokazala, kako vplivajo na dojemanje. Dodatno življenje je upodobilo brata in sestro, ki se poskušata ponovno povezati leta po travmatični izkušnji. Koreograf Ali Chahrour se je v delu Pripovedovala moja mati poklonil odpornosti mater v Libanonu in se osredotočil na neznosno žalost, ki jo prenašajo, ko izgubijo sinove v vojni. V delu Otemba – Drzne ženske so se ženske uprle: Cornelia van Nijenrode iz 17. stoletja, ki jo je upodobil Jacob Coeman, je po katastrofalnem zakonu zahtevala finančno avtonomijo, medtem ko je restavrator slike izpodbijal kolonialne narative.

Carolina Bianchi  Trajal Harrell

Bianchi je direktorica kolektiva Cara de cavalo (‘Konjski obraz’) iz São Paula, s katerim je ustvarila dela, med drugim: Trilogia Cadela Força (2022–2026), O Tremor Magnífico (‘Veličastni tremor’, 2020), Lobo (‘Volk’, 2018), produkcija na prostem Quiero hacer el amor (‘Želim se ljubiti’, 2017) in predavanje-performans Mata-me de Prazer (‘Ubij me z užitkom’). Od leta 2025 je Carolina Bianchi ena od umetniških osrednjih članic gledališča Theater Utrecht.

Na Beneškem bienalu 2025 je prejela srebrnega leva.

Ta festival se je soočil z edinstvenimi logističnimi izzivi tako za občinstvo kot za produkcijo. Stavke vlakov NS, težka dostopnost v Haagu – kjer je bila festivalska predstava prvič po 35 letih – in v Amsterdamu zaradi vrha Nata in velikega praznovanja Amsterdam 750, skupaj z več motnjami v železniškem prometu, so predstavljali težave. Za produkcijsko ekipo je bilo zagotavljanje pravočasnega prihoda umetnikov in scenografije na vse lokacije vznemirljiv izziv.

Holland Festival aktivno spodbuja izmenjavo med strokovnjaki na področju uprizoritvenih umetnosti. V okviru programov Immerse in Festival Exchange je festival obiskalo približno 50 mednarodnih umetnikov in kuratorjev iz držav, vključno z Jordanijo, Ruando, Mehiko in Japonsko. Odvijali so se skupni pogovori o aktualnih temah in srečanja v zakulisju. Za učence in študente je bil organiziran tudi obsežen izobraževalni program, ki je ponujal možnost obiskovanja predstav, sodelovanja in vaje pisanja recenzij pod vodstvom izkušenih kritikov.

Program je ponujal več načinov za globljo angažiranost, vključno s široko paleto predstavitev, pogovorov po predstavi, srečanj med umetniki in občinstvom ter pop-up pogovorov. Organizirane so bile tudi razprave in bralni klub. Več elementov programa je bilo prosto dostopnih: tradicionalna Opera v parku, srečanja z umetniki ter nekaj pop-up predstav in predstav v okviru Dobrodošli v dvorani Azbestos. Za digitalno dostopnost je bila otvoritvena predstava Cyber ​​Subin predvajana v živo in je bila tri dni na voljo po vsem svetu.

Na spletni strani festivala, v razdelku Oglejte si in poslušajte nazaj, si lahko občinstvo še vedno ogleda oba ZaterdagMatinee, obnovljeno sodelovanje med NTR in Holland Festivalom, pogovor s pridruženih sodelavcem, večer poslušanja v šumenju, koncert Craiga Taborna v BIMHUIS-u in programe VPRO, pripravljene za televizijo in YouTube.

79. izdaja Holland Festivala bo potekala junija 2026. Upajmo, da bomo kaj izmed predstavljenega videli tudi na Ljubljana Festivalu.